Paris Photo 2026 celebra los 200 años de la fotografía con una mirada puesta en las mujeres que han transformado este lenguaje visual. A través de Elles x Paris Photo, la feria presenta una selección de artistas que exploran nuevas formas de representar la identidad, la memoria y la experiencia femenina, cuestionando las narrativas tradicionales de la historia de la imagen.
Bajo el título Women’s WORK, reunimos algunas de las obras más interesantes de esta exposición, desde los autorretratos de Barbara Probst y Silvia Rosi hasta los universos visuales de Sarah Moon y Mona Kuhn. Una selección que cruza generaciones, técnicas y perspectivas para reivindicar el trabajo de las mujeres fotógrafas y descubrir otras maneras de mirar el mundo.
¿Qué es Elles x Paris Photo y por qué pone el foco en las mujeres fotógrafas?
En medio de la enorme propuesta visual de Paris Photo, Elles x Paris Photo funciona como una invitación a cambiar de perspectiva. El programa busca dar visibilidad al trabajo de mujeres artistas y ampliar una historia de la fotografía que, durante décadas, ha privilegiado determinadas voces y formas de entender el medio.
Para su edición de 2026, la selección está comisariada por Aldeide Delgado, historiadora del arte, comisaria y fundadora de WOPHA (Women Photographers International Archive). Su investigación propone una lectura de la fotografía a través de cinco conceptos: las profundidades del mar, la materia y la materialidad, la luz, la mirada y la agencia. Una selección intergeneracional que también reivindica los procesos experimentales y las técnicas alternativas como parte fundamental de la historia fotográfica.
¿Qué obras y artistas forman parte de Elles x Paris Photo 2026?
Barbara Probst y Exposure #200: El cuerpo como parte de la fotografía
En Exposure #200 (2025), Barbara Probst convierte su propio cuerpo en una herramienta fotográfica y explora los límites entre quien observa y quien aparece frente a la cámara. A través de un juego de perspectivas, dispositivos digitales y elementos escenográficos, la artista cuestiona la construcción de la imagen y el papel de la autorrepresentación.
Silvia Rosi y Disintegrata di Profilo: Memoria familiar y autonomía femenina
En esta obra de 2024, Silvia Rosi recupera recuerdos de su infancia, fotografías familiares y objetos vinculados a sus primeros acercamientos al laboratorio fotográfico. El autorretrato se convierte en un espacio para explorar la identidad, la memoria y la autonomía de las mujeres frente a las formas tradicionales de representación.
Palmira Puig y ‘Esperando a filha’: Una mirada íntima a la fotografía brasileña
Realizada en 1950, ‘Esperando a filha’ presenta una escena cotidiana en São Paulo que invita a imaginar la historia detrás de una mujer retratada. A través de la luz y el encuadre, Palmira Puig se distancia de la abstracción monumental de la Escuela Paulista para introducir una perspectiva más íntima y social dentro de la fotografía de vanguardia brasileña.
Mona Kuhn con Silhouette: Fotografía, memoria y surrealismo
Como parte de la serie Kings Road (2021), Mona Kuhn utiliza la técnica de solarización para transformar una fotografía y alterar la percepción de sus formas y tonalidades. El resultado es una composición entre lo reconocible y lo abstracto, donde la memoria, los espacios y la experimentación fotográfica se encuentran en un mismo lenguaje visual.
Isabelle le Minh con FEEDBACKLOOP: Una reflexión sobre la cámara fotográfica
En FEEDBACKLOOP, AFTER LASZLO MOHOLY-NAGY, #1: Refraction (2023), Isabelle le Minh convierte la cámara en el centro de una reflexión sobre la producción de imágenes y nuestra manera de percibir el mundo. La artista explora la relación entre el dispositivo fotográfico, la figura femenina y los procesos que transforman la realidad en una imagen.
Aurora Király y Viewfinder #37 (Light): experimentar con los límites de la fotografía
En esta pieza de 2026, Aurora Király combina fotografías de su propio archivo con dibujos y estructuras tridimensionales de cartón para investigar el concepto de encuadre. Inspirada en las primeras cámaras fotográficas, la obra propone una aproximación experimental a la imagen y recupera la curiosidad por los procesos que dieron forma a este medio.
Sarah Moon y Hommage à Malevitch: El encuentro entre fotografía y arte
Inspirada en la obra de Kazimir Malévich y realizada durante una sesión fotográfica para una colección de Junya Watanabe, Hommage à Malevitch (2014) refleja la relación entre fotografía y otras disciplinas artísticas. Sarah Moon incorpora referencias de la pintura, la música, la poesía y la literatura para construir un lenguaje visual en el que la emoción también ocupa un lugar protagonista.
Agnes Essonti Luque y Calabash (2): Identidad, territorio y memoria
En Calabash (2) (2026), Agnes Essonti Luque fotografía la playa de Wovia, en Limbe, Camerún, un espacio comunitario estrechamente ligado a su historia familiar. La obra forma parte de una exploración artística sobre la identidad y los recuerdos como elementos cambiantes, atravesados por los lugares que habitamos y las experiencias que compartimos.
Merry Alpern y Dirty Windows #19: La representación femenina detrás de la imagen
En esta fotografía de 1993, Merry Alpern retrata a una mujer junto a una ventana y construye una escena abierta a diferentes interpretaciones. A partir de la mirada de la protagonista, la artista plantea preguntas sobre la representación femenina, las relaciones de poder entre géneros y la influencia de la raza, la clase social y el feminismo en la lectura de una imagen.
Alina Frieske y Untitled (Fruits): el collage digital como lenguaje fotográfico
En Untitled (Fruits) (2020), Alina Frieske utiliza fragmentos de fotografías externas para crear una composición mediante capas y técnicas de collage digital. A través de imágenes de frutas en diferentes etapas, la artista explora conceptos como el crecimiento, la transformación y la circulación de los archivos visuales, proponiendo nuevas conexiones entre imágenes que originalmente no compartían un mismo contexto.
¿Quién es Aldeide Delgado y cómo nació su compromiso con las mujeres fotógrafas?
Historiadora del arte, comisaria y fundadora de WOPHA (Women Photographers International Archive), Aldeide Delgado ha convertido la investigación y la visibilización de las mujeres fotógrafas en el centro de su trabajo. Desde sus primeros estudios en Cuba hasta la creación de un archivo internacional en Miami, su trayectoria está atravesada por una pregunta: ¿quién tiene el poder de construir las imágenes que definen nuestra historia? Una conversación sobre feminismo, representación y la necesidad de ampliar las narrativas tradicionales de la fotografía.
¿Qué ideas hay detrás de la selección de artistas de Elles x Paris Photo 2026?
La selección de artistas de Elles x Paris Photo 2026, comisariada por Aldeide Delgado, reúne distintas generaciones y perspectivas alrededor de cinco conceptos: la luz, la mirada, la materia, las profundidades del mar y la agencia. A través de técnicas fotográficas experimentales, como los fotogramas y los cianotipos, la exposición cuestiona las narrativas tradicionales del medio y reivindica el papel de las mujeres en la historia de la fotografía contemporánea.
¿Está garantizado el lugar de las mujeres en la historia de la fotografía?
Para Aldeide Delgado, la respuesta es clara: no. Aunque las mujeres han conquistado espacios dentro del mundo artístico, su reconocimiento no puede darse por sentado. Las narrativas sobre la representación, la feminidad y la posición de las fotógrafas siguen siendo necesarias, especialmente en un contexto en el que los avances sociales y culturales pueden retroceder.
Por eso, iniciativas como Elles x Paris Photo van más allá de una exposición temática. Son una forma de construir memoria, cuestionar las estructuras que han definido la historia del arte y mantener abiertas nuevas posibilidades para quienes crean imágenes. Doscientos años después del nacimiento de la fotografía, la conversación sigue en movimiento. Y, sobre todo, todavía hay muchas miradas por descubrir.
